Woody Allen. El hombre. El personaje.

Si hay un cineasta que se mueve como pez en el agua en el filo entre la realidad y la ficción, ese no es otro que Woody Allen. El director neoyorquino entra y sale del celuloide a su libre antojo, fundiendo persona y personaje.

Todo comienza en New York. Brooklyn en diciembre de 1935. Bueno, nace el individuo que dará vida a Woody Allen. Es un tipo bajito, con gafas que se llama Allan Stewart Königsberg. Miembro de una familia judía que cree en Dios y en las moquetas. El joven Allan no quiere ser Humphrey Bogart ni John Wayne, solo quiere convertirse en el gracioso de la clase. El tipo con gafas que nunca consigue a la chica pero es divertido y cae bien a todo el mundo. Pésimo estudiante que sólo destaca en literatura y aunque suene increíble en gimnasia, a los dieciséis años decide aprovecharse de su ingenio para ganarse la vida. Empieza a escribir para otros humoristas y columnistas de prensa. Un año después, decide dejar en el armario a Allan Stewart Königsberg, el chico que escribía chistes que otros firmaban y se convertiría en Woody Allen.

Tras actuar como monologista en antros, escribir para varios periódicos y trabajar para algunas agencias, ficha por el programa The Colgate Happy Hour. Fue un fracaso al igual que intentar matricularse en la titulación de Producción cinematográfica en la Universidad de New York. En donde uno de sus profesores le diría: No eres material de Universidad. Creo que tendrías que recibir ayuda psiquiátrica, porque me parece que no tendrás mucha suerte para encontrar trabajo. En parte tenía razón, Allen iría al psiquiatra en 1959 y seguiría acudiendo por el resto de su vida.

MANHATTAN MURDER MYSTERY, Anjelica Huston, Woody Allen, 1993

En 1968, rueda Toma el dinero y corre. Película cómica llena de gags, citas y parodias al cine clásico en la que Allen vuelca todo lo aprendido durante años. La crítica y el público le reciben con los brazos abiertos considerándole heredero de los Hermanos Marx. Por este motivo, no tuvo problemas para encontrar una productora que financiara sus películas. Firmó un contrato con United Artists -productora creada por Chaplin- comprometiéndose a rodar tres cintas con un control total en la producción -privilegio que en aquellos años no tenían Coppola o Scorsese-.

En 1977 realizaría la película por la cual obtendría su primer premio Óscar como director: Annie Hall. Cinta que trata sobre las parejas neuróticas que pueblan las ciudades. Inspirándose en el nombre real y la personalidad de la que por aquel entonces era su pareja sentimental: Diane Keaton, para escribir un relato intimista que rompe con el humor disparatado que con tanto éxito había cultivado hasta ese momento. Sin embargo, su evolución no hizo más que empezar y encontraría su propia voz dentro del propio cine de autor.

Dos años después, Woody Allen escribirá la historia de un tipo cercano a los cuarenta que idea gags para la televisión y tiene una pequeña obsesión con el sexo, los psicoanalistas y las relaciones de pareja. Manhattan, filmada en blanco y negro con una extraordinaria fotografía brinda un homenaje a la ciudad del director.

En sus siguientes películas seguirá indagando en los sentimientos más profundos del ser humano, en las que la figura de la mujer cobra una especial importancia –Hannah y sus hermanas, Septiembre y Otra mujer- y en donde el drama planea por encima de la vida cotidiana de estas mujeres que se muestran en permanente estado de crisis y buscan un lugar en el mundo sin saber siquiera donde están.

En maridos y mujeres, Allen desmonta el estamento del matrimonio con una violencia narrativa inusual. La cámara se mueve como el palpitar de unos corazones que laten a cien por hora y que sobrepasados por la tragedia no dejan lugar al amor. Una vez más realidad y ficción se unen en la vida de Woody Allen cuando Mia Farrow descubre que el director mantiene una relación amorosa con su hija Soon-Yi. Cansado de tanto drama, el director se embarga en varias comedias de gran diversión. En Desmontando a Harry, es el propio Allen el que se desmonta. Se quita la máscara para mostrarnos su verdadero rostro, pero sorprendentemente no es el de Allan Stewart Königsberg, sino el de Woody Allen que se cree sus propias historias.

Con Match point, Woody Allen rompe radicalmente con New york y se va a Londres para narrar el ascenso social de un joven sin escrúpulos –un Raskólnikov posmoderno-. Cinta que demostrará que no hay género que se le resista a este director. Después vinieron otras obras pero no tan notables –bajo mi punto de vista- como Blue Jasmine.

¿Por qué Woody es uno de mis directores de cabecera? Por su creatividad. Más allá de su influencia autobiográfica, se ha movido entre la comedia y el drama con absoluta presteza creando en ambos géneros verdaderas obras maestras. Allen traslada todas sus obsesiones al sexo, las relaciones humanas, el psicoanálisis o la muerte en sus film, reinterpretando en cada uno de ellos sus consecuencias en el ser humano. Al igual que un cubo de Rubik, cada película suya muestra una cara de nuestra existencia, que a su vez tiene infinitos matices observables por aquellos que se molestan en ir más allá del tópico de que Woody Allen hace siempre la misma película. Además porque a diferencia de sus maestros: Bergman, Fellini, Vitorio de Sica, Hope, Renoir, Chaplin o Los Hermanos Marx, Allen se muestra más exhibicionista, quiere que le veamos la cara mientras nos cuenta sus miserias que se mueven entre la fantasía y la realidad. Porque prefiere quedarse a tocar el clarinete con subanda de jazzque frivolizar en la gala de los Oscar. Porque su capacidad de trabajo radica en su forma de retratar el espíritu humano a través de la imperfecta sensibilidad de su mirada miope.

Woody Allen. El hombre. El personaje.

Ana Alba Segura | @misschejov

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